Karine chapert
" Le Sorano, un endroit où tout le monde s'autorise à entrer"
Elle voudrait du rose barbiecore aux murs et des paillettes dans les soirs de première : aux prises avec la dernière crise budgétaire du théâtre public, Karine Chapert, patronne du Sorano, applique la très sérieuse tactique de l‘optimisme par contagion. Et dégaine un dicton auvergnat, pour porter secours à la saison mise en jachère : « Faute de bœuf, on fait labourer son âne ».
- Publié le
- par Bénédicte Soula
- Jean-Pierre Montagné
Vous êtes née et avez grandi dans une petite ville en Auvergne : quelle place occupait la culture dans votre jeunesse ?
La culture passait essentiellement par les livres et par le cinéma. Ayant grandi à la campagne, je n’ai pas eu l’occasion de fréquenter les institutions culturelles de la même façon que si j’avais vécu en ville. Alors, je lisais beaucoup, et comme il y avait un cinéma, à Brioude, je m’y rendais le samedi soir, avec une tribu composée de jeunes de mon âge.
Il y avait surtout la danse que je pratiquais en UNSS (ndlr : Union nationale du sport scolaire). J’ai toujours pratiqué la danse, j’en faisais encore l’an dernier, j’ai toujours aimé cet univers de paillettes, ce partage avec le public, tellement grisant.
Quand j’avais une quinzaine d’années, ma prof nous a emmenées, mes copines et moi, voir un spectacle de Carolyn Carlson à Clermont-Ferrand : c’était mon premier contact avec le spectacle vivant. Mais, au fond, plus que l’œuvre artistique, ce dont je me souviens, c’est le plaisir fou que j’ai pris à la sortie en groupe, au fait de partager quelque chose qui ne se passait pas ailleurs.
Mes parents n’avaient pas d’habitus culturel, ils n’étaient pas de grands lecteurs, ne se rendaient pas spontanément au musée ou au théâtre. Mais ils m’achetaient des livres, beaucoup de livres, et ils m’encourageaient à m’ouvrir aux arts, à chaque fois que l’occasion se présentait. Il y a toujours eu, en fin de compte, « la possibilité de », et c’est pourquoi je leur suis infiniment reconnaissante aujourd’hui, ainsi qu’à quelques professeurs.
J’avais un prof d’anglais, au lycée, qui m’a fait aimer Oscar Wilde, Orson Welles, et qui m’a permis de découvrir New York et le MOMA lors d’un voyage scolaire ! Un homme vraiment incroyable qui avait à cœur d’enseigner sa matière, mais surtout d’éveiller ses élèves, de les doter d’un véritable esprit critique, de les rendre curieux. Je lui dois beaucoup, il s’appelle Dominique Mappus.
Votre goût pour la culture pop est bien connu. Quelle en est l’origine ?
Elle est là l’origine : l’adolescence, une adolescence curieuse, impatiente. J’étais enfant unique, j’attrapais avec avidité toutes les formes de culture qui se présentaient à moi pour m’évader. Et puis, après le bac, je suis partie en classe préparatoire au lycée Fénelon de Clermont-Ferrand, où j’ai rencontré une deuxième tribu, très nourrie celle-là de culture générale et de musique.
C’est l’époque où j’ai découvert les concerts, où j’ai beaucoup fréquenté les soirées electro qui ont explosé à la fin des années 1990. J’étais toujours guidée par l’envie de danser, de vivre des expériences avec les autres.
Ce goût-là, pour une culture qui rassemble la jeunesse, ne m’a plus quittée. Je lisais aussi des magazines tels que Technikart, les Inrocks, qui mêlaient la pop et une culture plus classique. J’ai toujours pensé que ce mélange était particulièrement intéressant. Que l’on pouvait toucher des gens à cet endroit-là.
Une culture qui réunit par exemple David Bowie, Dépêche Mode et David Lynch qui vient de mourir en janvier…
Ah, le concert de Dépêche Mode, en 2006 au Zénith, ce fut un grand moment dont je ne me suis jamais vraiment remise (rires). Quant à Lynch, c’est un peu antérieur. J’ai découvert Lost Highway en 1997 à mon arrivée à Toulouse. Je suis entrée dans cet univers quelque part aussi par la musique : David Bowie, justement, avec « I’m Deranged » dès l’ouverture du film sur cette route de nuit, inoubliable, puis Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, des groupes anglosaxons que j’écoutais déjà beaucoup.
Le film m’a retournée, confusément. Je ne m’intéressais pas encore à la psychanalyse, mais j’étais fascinée par ce mélange d’inconscient, de conscient, d’onirisme, par ce questionnement sur les limites de la folie, le tout accompagné de cette esthétique folle. J’avais compris que de nombreuses références culturelles se cachaient dans ces images et cela m’a donné envie d’aller les découvrir.
Je me suis rendue à Paris, par exemple, en 2007, pour voir l’exposition « The Air is on Fire » à la fondation Cartier pour l’art contemporain, où pour la première fois un grand nombre de peintures, photographies, dessins, vidéos expérimentales et créations sonores étaient rassemblés. Et puis j’ai dévoré tout Lynch, livres, films, les deux premières saisons de Twin Peaks, que je visionnais, le soir, à 23 heures, quand je ne me levais pas de bonne heure le lendemain matin.
Vous êtes entrée au Sorano en 2004 en tant que chargée des relations publiques puis de la communication. Vous souvenez-vous de vos débuts dans ce théâtre ?
Comme si c’était hier. Le metteur en scène Didier Carette avait pris la direction du Sorano quatre mois auparavant et cherchait quelqu’un pour développer les relations publiques. J’ai postulé. ll a choisi de me faire confiance. Il a fallu un peu de temps, au début, pour que nous nous éprouvions l’un l’autre, mais ensuite j’ai compris ce qui l’animait : un désir profond de développer un véritable projet artistique dans une « maison » de théâtre.
Un projet de chair, qui donnait toute sa place aux grands textes mais aussi à la musique et au jeu, et imaginé autour d’une troupe passionnée. Julie (ndlr : Guétrot, actuelle secrétaire générale) est arrivée juste après moi, et nous avons formé ce tandem solide qui a traversé les années. Moi qui avais toujours souffert d’être une enfant unique, je me suis sentie chez moi, entourée de toute une nouvelle famille.
Ensemble nous avons vécu une aventure artistique rare, une utopie. Je dormais presque au Sorano. Ces années-là ont été magiques.
Vingt ans plus tard, vous voilà directrice. Que ressentez-vous ?
Je suis aujourd’hui hyper joyeuse. Candidater n’était pas si évident pour moi. C’était vertigineux. Il y a toujours ce plafond de verre qui existe pour les femmes encore aujourd’hui. J’en ai même parlé à mon psychanalyste (rires). Mais je me suis vite dit que si je ne le faisais pas, je le regretterais toute ma vie.
Je ne pouvais pas prendre le risque que quelqu’un jette à terre tout le travail que Sébastien (ndlr : Bournac, ancien directeur) était parvenu à accomplir en huit ans ; qu’il ou elle en fasse un reset, comme cela s’était déjà produit par le passé dans ce théâtre. Il fallait que j’aie la certitude que l’on prenne soin de tout cela. Alors j’y suis allée. Et j’y suis allée aussi parce que j’avais le soutien de l’équipe, consultée un an auparavant ; cet échange avec elle a été décisif.
Quelles sont les grandes lignes du projet pour « un théâtre désirable, inclusif et solidaire » avec lequel vous avez candidaté à l’occupation du lieu jusqu’en 2028 ?
Caroline Guiela Nguyen, directrice du Théâtre national de Strasbourg, a déclaré dans un entretien que « pour qu’une personne pousse la porte d’un théâtre, il doit se raconter sur le plateau quelque chose qui parle d’elle ». Cette idée-là a guidé toute l’écriture du projet. Je souhaite que le Sorano soit un endroit où tout le monde s’autorise à entrer pour voir des œuvres.
En construisant une programmation engagée dans la diversité, dans toutes les diversités, l’objectif est de réconcilier l’espace de nos rues et celui de la scène, tout en préservant la dimension intergénérationnelle du public. Ces croisements sont essentiels pour construire la communauté des spectateurs et des spectatrices.
Avec quels artistes ?
En accord avec notre mission de service public pour la jeune création, quatre compagnies sont invitées à repenser avec nous, et à transmettre, les formes du théâtre contemporain.
Deux sont issues d’Occitanie, le Club dramatique de Mélanie Vayssettes et Simon Le Floch ainsi que le groupe Scalpel de Romane Nicolas, et deux sont des compagnies nationales portées par Rébecca Chaillon et Hugues Duchêne.
Ces artistes ont marqué de leur passage le Sorano. Ils et elles nous ont déplacé·e·s, chamboulé·e·s, parfois corrigé·e·s. Romane m’a ouvert personnellement les yeux sur les réalités et les urgences liées à la transidentité. Elle est aussi une autrice courageuse qui a monté sa petite maison d’édition dans la région.
Le travail de Mélanie et Simon coche toutes les cases du projet théâtral à l’œuvre : écriture de plateau, relecture de textes classiques, musique, humour, esthétique pop, dans des formes assez souples pour leur permettre de partir en tournée et de jouer partout.
Je ne pouvais pas prendre le risque que quelqu'un jette à terre tout le travail accompli en huit ans
Rébecca, performeuse, plasticienne, autrice, comédienne, est un manifeste de modernité et d’inclusivité à elle toute seule. Quant à Hugues, il applique d’une manière tout à fait fascinante au théâtre les processus d’immersion du journalisme d’investigation, pour en faire un rendez- vous joyeux, léger, autour de sujets sociétaux et politiques particulièrement graves ou sérieux.
Tous ces artistes ont en commun d’insuffler un vent de liberté dans le théâtre contemporain. Cependant, la collaboration avec ces compagnies va au-delà de la programmation. D’ailleurs il ne s’agit pas « d’accompagner » Rébecca et Hugues, qui ont déjà leur notoriété et n’ont pas besoin de nous pour exister, mais d’imaginer avec eux des manières d’infuser autrement le projet artistique.
Je rêve d’accueillir Rébecca sur un training ou sur un atelier d’écriture pour proposer des expériences uniques aux Toulousains. Avec Hugues, on réfléchit à une rencontre avec des journalistes et des personnalités de la société civile afin de décortiquer la manière dont il s’empare des sujets d’actualité et les fait frictionner avec des pensées contemporaines. Enfin, nous envisageons à terme de réunir les quatre compagnies.
Malheureusement, votre prise de poste arrive à un moment particulièrement difficile pour la culture, marqué par une tension budgétaire assez préoccupante. Les prochaines saisons du Sorano s’en trouvent-elles impactées ? Des actions du nouveau projet sont-elles repoussées à un avenir meilleur, voire complètement abandonnées ?
Pour les programmations, c’est difficile de vous répondre : nous attendons des nouvelles de la part des collectivités. Pour l’instant, nous travaillons à la saison 2025-26 à partir de plusieurs scénarios, du plus alarmiste au un peu moins alarmiste. C’est vrai que c’est triste de se dire qu’on arrive avec un projet qui doit être immédiatement revu à la baisse, mais que faire ?
Pensé sur une temporalité de quatre ans, il sera réalisé à plus ou moins long terme en fonction des arbitrages rendus. Et si nous ne pouvons pas agir cette saison, nous le ferons la saison suivante ! De toute façon, pour qu’un projet se déploie, il faut du temps. Du temps afin que les spectateurs et spectatrices prennent leurs marques ; du temps pour que nous fassions des erreurs et que nous puissions les corriger.
Je veux que nous soyons très pragmatiques, très anglo-saxons, si vous me permettez la comparaison. Essayons de regarder la réalité en face, de ne pas être dans le déni économique, de ne pas faire de plans sur la comète, s’il n’y a pas de sous. Nous sommes un théâtre public, et par conséquent nous sommes responsables devant les collectivités et surtout devant les citoyen·ne·s.
La programmation de 20 spectacles, hors festival Supernova, annoncée est-elle toujours envisageable dans ce contexte d’austérité ?
Oui, nous serons dans cette moyenne. C’est une projection prudente, mais si on peut le faire, c’est déjà pas mal. C’est un peu moins que cette saison, mais cela va nous permettre de déployer déjà un programme assez joli. Et puisque vous évoquez Supernova, en fin d’année, nous proposerons une très belle édition afin de célébrer comme il se doit les dix ans du festival. S’il y a une marge d’ajustement, elle ne se fera pas là.
Avez-vous envie de vous adresser aux pouvoirs publics ?
J’ai envie de leur dire de prendre soin de l’existant, d’être très précautionneux avec cela. Nous sommes fragilisés, et nous pourrons nous en sortir, par le haut, uniquement si nous travaillons ensemble côte à côte. Nous avons bien conscience qu’il n’y a pas que la culture qui est touchée. C’est compliqué dans les écoles, dans les hôpitaux… Partout on manque de moyens. Dans ce contexte de difficulté générale, nous allons faire de notre mieux, et je fais confiance aux pouvoirs publics pour qu’ils fassent de même.
Dans le projet, je cite une phrase d’Ariane Mnouchkine qui invite les théâtres « à aller chercher au-delà des limites les motifs de défense de l’art ».
Actuellement, cela peut être de diversifier nos ressources propres pour la bonne cause. Au Sorano, nous étudions toutes les pistes, le mécénat, la privatisation de nos espaces, etc. Si nous voulons continuer à faire ce pourquoi on est missionnés, à savoir un théâtre de service public avec des politiques budgétaires adaptées, et aller à la rencontre de tous les publics, y compris les publics empêchés, il faut bien trouver de nouvelles solutions, en tout cas pour le moment. Je veux croire que tout cela ne durera pas.
L’ouverture de la programmation au jeune public est l’une des orientations du projet. Le fait que vous soyez l’heureuse maman d’une petite fille a-t-il joué un rôle ?
Y a forcément un lien ! (rires), mais pas seulement. Le Sorano a un mur mitoyen avec le Muséum de Toulouse et avec le Quai des Savoirs. Ici, les weekends et les mercredis, c’est rempli de familles, et il y a là une carte à jouer. On a d’ailleurs déjà commencé : fin février, en partenariat avec la Grainerie, on a accueilli un spectacle de cirque pour tout public à partir de 5 ans, sous une yourte chauffée au Jardin des plantes.
Nous étudions toutes les pistes, le mécénat, la privatisation de nos espaces, etc.
J’ai envie qu’il y ait des enfants, des rires d’enfants, dans le théâtre et au-dehors, qu’on sorte un peu prendre l’air. Ce que ma fille me permet de voir tous les jours, c’est la capacité d’émerveillement des enfants. C’est cette capacité venue de l’enfance, d’ailleurs, que nous convoquons toutes et tous à chaque fois que nous sommes chamboulé ·e·s devant un spectacle. Nous programmons aussi pour la saison prochaine des formes qui s’adressent aux adolescents.
Un mot enfin sur l’autre nouveauté : un temps fort consacré à l’humour…
C’est une idée de Julie : une semaine au printemps, appelée Sorano Club, qui va accueillir des comédien·ne·s qui tournent dans les théâtres publics mais qui font du seul·e en scène. Les artistes sont de plus en plus nombreux à proposer ce format-là, souvent pour des raisons économiques. Est-ce que c’est du théâtre, du stand-up ? La question sera posée sur le plateau.
Au Sorano, vous avez déjà vu Thomas Poitevin, Solal Bouloudnine dans ce registre… Nous allons accueillir Théo Askolovitch que nous avions programmé à Supernova, etc. Ce rendez-vous, c’est aussi une manière de poser la question de l’humour au théâtre, registre qui a été traité avec beaucoup de mépris pendant des années par le théâtre public.
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